XVIII Salón de Estudiantes de Bellas Artes 2014

Pensando un poco sobre cómo iba a comenzar este escrito, recordé que en el año 2012 escribí un texto acerca del Salón de Estudiantes de Bellas de ese año. Siendo franca y leyéndolo nuevamente, considero que fui bastante destructiva y poco generosa tanto por el desconcierto que me generó observar en la muestra una pérdida absoluta por el interés a realizar trabajos con medios como el dibujo o la pintura -salvo por un par de propuestas- como por el malestar de ver en casi todas las obras una factura bastante descuidada y poca coherencia en la formalización de algunos proyectos; en ese entonces se podía percibir en los estudiantes un afán desmedido por encajar sus trabajos en lo que sería para la institución los “nuevos medios”: video, instalación, performance, o arte VIP como lo llama despectivamente la crítica mexicana Avelina Lesper. Ese año los resultados no fueron muy acertados.

Este año tuve la oportunidad de presenciar una evolución bastante significativa en el desarrollo de las propuestas de los estudiantes que conforman el actual Salón. Se siente un aire de ascenso para Bellas Artes tanto en la calidad de las propuesta que están presentando los estudiantes como en su componente académico y esto, no puede ser otra cosa que el resultado de un proceso de transformación —que ha sido arduo— por el cual se comienzan a ver los frutos de la disciplina y la perseverancia que han tenido en estos últimos años.

Para esta versión se propuso un eje temático: “ENTORNOS URBANOS: Memoria, territorios y transformación”. Respecto a este punto, me considero un tanto escéptica a que los Salones de estudiantes incluyan curadurías o “temas”, en tanto que ya tenemos suficiente afuera de la academia con esos bombardeos curatoriales que en ocasiones tanto daño hacen como para que sesguen las motivaciones individuales sobre el por qué y para qué de una creación en el ambiente universitario.

Generalmente, para la mente de un estudiante con bríos de éxito, será más apropiado enfocar su trabajo sobre una problemática o sobre otra teniendo en cuenta lo que está o no está de moda y esto, constituye un precepto terrible en las decisiones de los estudiantes sobre desde cuáles contextos sustentar su propuesta. Desde esta perspectiva, este aspecto puede ser peligroso cuando no conductista e injusto, pues constituye una forma de excluir y negar la posibilidad de participación al estudiante que no desea re-acomodar su trabajo para que encaje con la “propuesta curatorial” como suele suceder comúnmente en convocatorias y eventos en los cuales el artista “hace su tarea” para poder figurar.

En relación con las propuestas, los medios utilizados estaban bastante variados, pues hubo pintura, dibujo, fotografía, objetos cotidianos, materiales precarios del arte povera, trabajos donde se exaltaban las estrategias participativas y en este sentido, la discursividad de una estrategia artística comprometida y la sociabilidad fueron las preocupaciones centrales de las obras sin dejar de lado la buena factura y su presencia en la exposición. Es decir que casi la totalidad de los trabajos, manejaron el justo equilibrio entre el discurso (logos) y la habilidad para formalizar la idea (techné).

En la primera planta nos dan la bienvenida dos trabajos de dibujo, uno bidimensional, donde el virtuosismo técnico sale evidentemente a la luz en el trabajo de Johan Salazar Cano quien recibió una mención en Artes Plásticas con una obra hiperrealista elaborada con esfero azul y tres figuras tridimensionales en hierro de Ricardo Alfredo Ochoa que connotan lo que conocemos como dibujo expandido dentro de las nociones plásticas del arte hoy.

Avanzamos y nos encontramos del lado izquierdo con el trabajo de Leifer Hoyos Madrid titulado “Herbaria Vestimanta” el cual “… Es una construcción dibujística en la que interviene el collage y el material textil como elementos fundamentales de la composición”. La propuesta hace una selección botánica de flora autóctona y extranjera donde cada dibujo juiciosamente elaborado es una personificación de las flores compiladas que encarnan el elemental de la planta. En el mismo espacio hay dos fotografías de arquitecturas que proponen cierta mirada hacia la abstracción y luego tenemos el trabajo de Felipe Augusto Rodríguez quien recibió la mención en Diseño Visual, sorprendente para mi no porque haya considerado que el trabajo no lo merecía, sino porque indudablemente parecía realizado por un artista y no por un Diseñador. Se trataba de un conjunto de registros fotográficos de varias intervenciones realizadas en algunas cajas de control semafórico de la ciudad; los registros estaban acompañados por uno de los objetos intervenido.

Avanzando, en el pequeño nicho semicircular encontrábamos tres fotografías tituladas “Memorias deterioradas” de Carolina Echavarría Severino. En la sala final de la primera planta algunas series fotográficas de Laura Tobón Echavarría y Estefanía Jurado, tres trabajos de pintura, una simpática máquina de Iván Darío Moreno Vera con una curiosa viejecita, un muy buen objeto de diseño elaborado en madera de Angie Silva García quien recibió otra mención en Diseño Visual, una serie de ilustraciones digitales que me ha gustado bastante de Andrés Felipe Hernández Gómez, y una instalación formalmente impecable, aun teniendo en cuenta que uno de sus elementos era la tierra, titulada “Más allá del cuerpo” de María Isabel Ospina Madrid.

Subiendo las escaleras tenemos los trabajos fotográficos de Eric Robledo y Lina Marcela Ardila. En la segunda planta fue absolutamente destacable la serie de dibujos sobre batas de politex de Andrés Sánchez Muñoz titulada “Pasión de Sebastián”, la obra se destaca sobre todo por la fuerte presencia que tiene en la sala. En este espacio también observamos una serie de tres collages digitales realizados por Angélica Restrepo y Eric Robledo, una base de piso que contiene pequeñas piedras, hojas, ramas y elementos naturales ubicados de forma ordenada creando una especia de mandala natural, nada extravagante, nada ambicioso pero muy bello. También se dispuso el registro de un performance bastante interesante de Ixia González titulado “Cotidiano”, realizado el día de la inauguración, en el cual, la artista ejecuta una rutina de arreglo personal como peinarse y maquillarse pero con las manos atadas a su espalda. Finalmente, observe la obra de María Alejandra Villa quien fue merecedora del Premio en Artes Plásticas con una obra impecable que cosiste en una muy interesante serie de tablas de patineta intervenidas con impresiones sobre vinilo transparente tituladas “Lenguaje transformado”.

Finalizamos el recorrido en el piso superior donde tenemos una serie de ilustraciones de animales, el trabajo fotográfico titulado “El blanco y lo negro” de la estudiante Astrid González quien recibió otra mención en Artes Plásticas y cuyo trabajo propone una reflexión sobre los procesos de etnicidad e identidad retomando los conceptos luz (blanco)-oscuridad (negro) en relación con sus connotaciones culturales.

En esta sala sobresale la instalación titulada “Polvo eres” del Colectivo Arco Iris, constituida por una maleta, cemento y tierra roja, elementos acompañados de una intervención en la pared. También en esta sala la obra de Juan Camilo Correa Quintero “Estudios para un muro de contención” y Boceto de “El fusilamiento del tres de mayo”, una fotografía que nos enseña a siete niños apuntando a un adulto con falsas armas de fuego, construidas con chatarra y maderas encontradas en la ciudad. (Especulo sobre este último detalle). 

La muestra se construyó desde una museografía que fue bastante limpia y procuró que cada obra habitara un espacio justo, sin aglomeraciones ni atiborramientos, y en relación con el eje conceptual, pudimos ver cómo los casos particulares también son universales, donde obras  que pueden estar a mitad de camino entre la instalación que fue “pública” cuyos elementos se llevan a la sala y se vuelven “privados”, la pérdida del miedo a recuperar el abrazo tradicional de los padres como la pintura o el dibujo, la apuesta por resaltar medios tan controvertidos como el performance y el archivo fotográfico, señalan el giro distintivo que ha tenido la institución frente a los paradigmas que nos plantea el arte reciente.

Cuando se sale de la muestra, uno queda con la sensación de que hay cierta fraternidad en todos los trabajos, se impuso en este Salón —aunque no en todas las piezas— la discursividad social que en palabras de Hal Foster se convierte en “Una forma pragmática de hacer y mostrar, de hablar y ser”; donde el arte, es un espacio de socialización entre el artista y la sociedad a la que alude y donde la pregunta principal de quien crea no parece ser ¿Qué?, sino ¿Para quién?.

PANDEMIA HIPERREALISTA:

(La enfermedad del artista emergente)

Se entiende el hiperrealismo en términos del arte como una tendencia “radical” que deriva de la pintura y el dibujo realista y que fue surgida en Estados Unidos a finales de los años 60. Esta es una tendencia que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces es confundida con el fotorrealismo que dicen, los que dicen que saben, que es "menos radical". Esta modalidad de dibujo y pintura (porque aquí no hay escultura y menos hiperrealista) ha sido adoptada por algunos artistas emergentes de nuestra ciudad y la razón es que sugirió como un comodín tan eficaz y rápido a la hora de justificar una propuesta, que no nos queda la menor duda de que en realidad la fórmula funciona. Basta con visitar las exposiciones de pequeños formatos, las subastas de arte y ornamentación, las galerías que cobijan nuevos artistas, los concursos y demás, para enfrentarse a la notable presencia técnicamente correcta, pero carente en absoluto de contenido de un sinnúmero de dibujos y pinturas que revelan además del virtuosismo y el ta-lento, la carencia de pensamiento, la falta de fondo y de reflexión que plantea el trabajo de algunos nuevos creadores, donde todo y nada nos parece aceptable siempre y cuando siga siendo agradable a la vista. 

La pobreza de pensamiento trae como consecuencia ver a todos estos dibujantes y pintores apoyando sus discursos en la nada, porque la técnica lo es todo, así, aparecen entonces dibujos de animales, de rostros, de gente con gente, gente en espacios imaginarios, mímesis de plantas, mímesis de tubos, puertas o texturas o lo que sea que se pueda representar, de nuevo. Esta actitud desprovista de reflexión y enfocada en los aspectos técnicos se bautizará en la modernidad como “el arte por el arte” es decir, la forma es el contenido, no el contenido precede a la forma. Ya Danto lo advirtió cuando afirmaba que «moderno» no es simplemente un concepto tem­poral que significa «lo más reciente», tampoco «contemporáneo» es meramen­te un término temporal que significa "cualquier cosa que tenga lugar en el presente” el arte contemporáneo no es simplemente el arte moderno que se está haciendo ahora… existen también artistas modernos en nuestra época que apenas emergen. Así, nuestros artista modernos, justificarán que cualquier cosa servirá de excusa para hacer una buena pintura o en otros casos un buen dibujo.

De esta ideología no son ni culpables los artistas, ni el hiperrealismo o realismo fotográfico por existir como tendencia y como medio, pues debo recordar buenos nombres que se disciplinaron en este propósito, Ron Mueck indiscutiblemente magnífico con sus hipérboles humanas en escultura, Richard Este con sus magnificencias citadinas, recordándome un poco al ejercicio que realiza el artista local Nadir Figueroa quien ha demostrado disciplina y constancia, y más cercano a nosotros lo hizo el artista Santiago Cárdenas con sus tableros y ganchos. Sin embargo, el problema radica en la fácil aceptación por parte de maestros, asesores y jurados al aprobar trabajos sin fundamentos, un tanto banales, que no harán en el panorama del arte otra cosa que servir como decorado de apartamentos o lofts de "la buena gente", de galerías y de uno que otro museo que desee algo “nuevo y refrescante” para su colección.

Ron Mueck en su estudio.

El autoengaño es más peligroso que el “fracaso”, el autoengaño en la mayoría de estos artistas radica en el pensamiento poco profundo de creer que las ventas son termómetro del éxito, cayendo en la trampa de la banalidad, la falta de fuerza y la tendencia al ornamento carente de aportes.

Si juzgáramos el mercado del arte en nuestro país y de acuerdo a esto determinamos qué es el medio artístico y quiénes son los agentes interesados en “buen arte”, llegaríamos a la conclusión de que casi no tenemos arte y tampoco deseamos hacer nada al respecto, de que aquí tenemos muchos dibujantes o pintores más no tenemos a muchos artistas, de que en Colombia la gente confunde tener "buen gusto" con tener el ojo entrenado y no hay muchos criterios que nos adviertan en las ferias o subastas sobre lo que no es arte y, por lo tanto, si y solo si compran hiperrealismo o lo que se le parezca teniendo en cuenta además que hay unos más virtuosos que otros y cuando los aglomeran en una misma exhibición podemos diferenciar los buenos de los mejores.

Richard Este

Finalmente, cabe preguntarse entonces ¿Qué hace un artista que enfoca su obra en la dinámica hiperrealista, además de ser un buen hiperrealista? Dejo esta pregunta abierta y cada artista que defienda su talento haga y piense lo que quiera. Si la respuesta es: hago hiperrealismo, diste en el clavo, ¡estás en lo correcto!