TOMAR POSTURA EN EL ARTE 
Tomar postura en el arte significa no solo tener el conocimiento, sino también la capacidad de dar una opinión que no agrade a todo el mundo y saber sobrellevar las consecuencias de esto. Se trata de saber escuchar entre el ruido del rededor para intentar tomar algo significativo, entre todo el caos de opiniones en redes y notas de prensa amarillistas o desinformadas. Tomar postura en el arte, también es no querer tomar postura sobre algo que se vuelve intrascendente o banal en el mundo... De esto y más hablamos el pasado 26 de enero en el Hall de MAMM.
CHARLA: LOS EVENTOS COMO MERCADO DEL ARTE
El 19 de mayo tuve la oportunidad de ser panelista dentro de la charloa organizada por el artista y gestor Harold Ortiz y la Universidad de Antioquia donde tocamos algunos temas de relevancia sobre la importancia de los eventos que se realizan en la ciudad así como la ética, la productividad de resultados y el aporte que tienen estos sobre los procesos culturales. Durante la charla, se tocaron temas como el arte urbano y la necesidad de un componente pedagígico sobre el mismo, así como la ética institucional frente a propuestas que implican dinamicas no reguladas como el grafiti o la pintura de murales en zonas no autorizadas. Así mismo, se planteó la necesidad de reforzar la investigación y publicación sobre los eventos que se han realizado con el fin de que quede una memoria y un componente educativo para las generaciones más jóvenes.
SOBRE EXPUESTOS
ARTE Y FOTOPERIODISMO.
Una charla en el Museo de Antioquia
El pasado marte 13 de agosto en el Museo de Antioquia, he tenido la oportunidad de participar de la charla SOBRE EXPUESTOS, una charla que enfocaba su pregunta sobre los alcances del foto periodismo y si había una forma concreta de vislumbrar sus límites en la práctica fotográfica. En compañía de Juan Fernando Ospina, Andrés Sierra y Esteban Duperly, la actividad se desarrolló de acuerdo a la posibilidad de tiempo y de alcance (un poco superficial) del debate. Lamentablemente, se sintió una negativa de parte del público y de algunos panelistas por ahondar en la verdadera naturaleza del foto periodismo, quizás porque algunos de sus planteamientos o trabajos no encajaban justamente en los niveles éticos y de complejidad formal que esta práctica implica; y porque en estos tiempos de excesiva y absurda relatividad donde "todo vale", ya no parece importar tanto cuál es la ética y la seriedad con que una práctica como estas debe sostener para llevarse a cabo; y cuáles son sus espacios idóneos de circulación y de presencia dentro de lo que definimos como "el campo del arte".
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CHARLA MUJERES, ARTE Y ESCRITURA
En esta charla realizada en la Mediateca de la Alianza Francesa de Medellín, se reflexionó sobre la mujer en el arte de vanguardia, quienes fueron sus protagonistas y cómo alcanzaron a ser parte de la historia oficial. La charla estuvo acompañada de una visita comentada a la exposición en sala y se habló con algunos artistas de Medellín sobre su perspectiva acerca de temas como el poder en el mundo del arte y los roles de las mujeres.
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TALLER DE ESCRITURA CRÍTICA EN BELLAS ARTES
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Seminario ¿Tiene sentido la estética (Y de la estética, qué?)
Del 5 al 26 de mayo, todos los martes, La Alianza Francesa de Medellín, brindará el seminario ¿Tiene sentido la estética (Y de la estética, qué?) con el profesor Jairo Montoya Gómez, fundador de la Maestría en Estética de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.
Toda la información sobre el Seminario en:http://grupodeestetica.blogspot.com/
Grupo de Estudios Estéticos
Facultad de Ciencias Humanas y Económicas
Universidad Nacional de Colombia, Medellín.
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CuBO. X
Un espacio experimental en Casa Tres Patios
TOMAR POSTURA EN EL ARTE
Tomar postura en el arte significa no solo tener el conocimiento, sino también la capacidad de dar una opinión que no agrade a todo el mundo y saber sobrellevar las consecuencias de esto. Se trata de saber escuchar entre el ruido del rededor para intentar tomar algo significativo, entre todo el caos de opiniones en redes y notas de prensa amarillistas o desinformadas. Tomar postura en el arte, también es no querer tomar postura sobre algo que se vuelve intrascendente o banal en el mundo... De esto y más hablamos el pasado 26 de enero en el Hall de MAMM.
CHARLA: LOS EVENTOS COMO MERCADO DEL ARTE
El 19 de mayo tuve la oportunidad de ser panelista dentro de la charloa organizada por el artista y gestor Harold Ortiz y la Universidad de Antioquia donde tocamos algunos temas de relevancia sobre la importancia de los eventos que se realizan en la ciudad así como la ética, la productividad de resultados y el aporte que tienen estos sobre los procesos culturales. Durante la charla, se tocaron temas como el arte urbano y la necesidad de un componente pedagígico sobre el mismo, así como la ética institucional frente a propuestas que implican dinamicas no reguladas como el grafiti o la pintura de murales en zonas no autorizadas. Así mismo, se planteó la necesidad de reforzar la investigación y publicación sobre los eventos que se han realizado con el fin de que quede una memoria y un componente educativo para las generaciones más jóvenes.
SOBRE EXPUESTOS
ARTE Y FOTOPERIODISMO.
Una charla en el Museo de Antioquia
El pasado marte 13 de agosto en el Museo de Antioquia, he tenido la oportunidad de participar de la charla SOBRE EXPUESTOS, una charla que enfocaba su pregunta sobre los alcances del foto periodismo y si había una forma concreta de vislumbrar sus límites en la práctica fotográfica. En compañía de Juan Fernando Ospina, Andrés Sierra y Esteban Duperly, la actividad se desarrolló de acuerdo a la posibilidad de tiempo y de alcance (un poco superficial) del debate. Lamentablemente, se sintió una negativa de parte del público y de algunos panelistas por ahondar en la verdadera naturaleza del foto periodismo, quizás porque algunos de sus planteamientos o trabajos no encajaban justamente en los niveles éticos y de complejidad formal que esta práctica implica; y porque en estos tiempos de excesiva y absurda relatividad donde "todo vale", ya no parece importar tanto cuál es la ética y la seriedad con que una práctica como estas debe sostener para llevarse a cabo; y cuáles son sus espacios idóneos de circulación y de presencia dentro de lo que definimos como "el campo del arte".
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CHARLA MUJERES, ARTE Y ESCRITURA
En esta charla realizada en la Mediateca de la Alianza Francesa de Medellín, se reflexionó sobre la mujer en el arte de vanguardia, quienes fueron sus protagonistas y cómo alcanzaron a ser parte de la historia oficial. La charla estuvo acompañada de una visita comentada a la exposición en sala y se habló con algunos artistas de Medellín sobre su perspectiva acerca de temas como el poder en el mundo del arte y los roles de las mujeres.
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TALLER DE ESCRITURA CRÍTICA EN BELLAS ARTES
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Seminario ¿Tiene sentido la estética
(Y de la estética, qué?)
Del 5 al 26 de mayo, todos los martes, La Alianza Francesa de Medellín, brindará el seminario ¿Tiene sentido la estética (Y de la estética, qué?) con el profesor Jairo Montoya Gómez, fundador de la Maestría en Estética de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.
Toda la información sobre el Seminario en:http://grupodeestetica.blogspot.com/
Grupo de Estudios Estéticos
Facultad de Ciencias Humanas y Económicas
Universidad Nacional de Colombia, Medellín.
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CuBO. X
CuBO.X es un espacio experimental de Casa Tres Patios, donde artistas locales y nacionales comparten sus procesos y prácticas de manera continua y abierta con el público.
Es un espacio de 4x4m, con una gran ventanal, el artista invitado experimenta con su obra durante un mes aproximadamente.
El reto es romper con su práctica artística habitual, investigando nuevas formas de creación, basadas en el ensayo-error, donde el proceso es más importante que los resultados.
CuBO.X se convierte en un espacio de diálogo, pensamiento crítico y reflexión, donde seguir el proceso creativo y la experiencia del artista de cerca.
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Franz Kafka y un artista del hambre
Un artista del hambre cuyo título original en alemán es Ein Hungerkünstler, es un cuento breve escrito por Kafka en 1922. Este cuento trata de la inevitable caducidad de un "arte" y de la infructuosa perseverancia de un artista, que no quiere perderse en el olvido.
El cuento se articula desde la multiplicidad de significados, invitando al lector a colaborar en su interpretación. Por tanto, es importante comentar el título que, si bien pertenece a la periferia del texto, constituye una clave para analizar la concepción de arte. Desde el metatexto, encontramos la imagen del artista, que se configurará temáticamente en el relato. Asociado a esta figura, aparece la idea de "hambre" (Hunger-), cuyo campo semántico está constituido por los conceptos de escasez, necesidad, deseo, carencia.
En efecto, su "arte" consiste en permanecer en ayunas durante un determinado tiempo, encerrado en una jaula y custodiado, para corroborar la veracidad de su aptitud. Se perfila una concepción más amplia de arte, que no se reduce a las categorías de "belleza" y "buen gusto", sino que abarca toda actividad humana que sea objeto de juicios estéticos. Subyace aquí la idea hegeliana de obra de arte. Recordemos que Hegel sostenía que, frente a la naturaleza, la obra es histórica, en tanto que está sumergida en el devenir de la historia. Por lo tanto, lo bello, como manifestación sensible de la obra artística, también es histórico, ya que está condicionado por criterios históricos dominantes. Esta idea del arte inscripto en el devenir histórico articulará todo el relato. Además, podemos observar que el campo semántico de "hambre" también se combina con el vocablo "ayuno", remitiendo a la idea de sacrificio. Ayuno no sólo significa abstinencia de apetito; entraña también las acepciones de vigilia, mortificación y renuncia.
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" El dibujo es un regalo"
En la lógica del mercado del arte toda obra representa un bien simbólico y material, tanto para los artistas, galeristas y coleccionistas.
Desafiando esta lógica ya establecida, La Usurpadora y La Tienda Medellín presentan: “El Dibujo es un Regalo”. Una muestra que pretende ver las obras como realmente son y no como una simple inversión del mercado. En esta ocasión y solo por una noche, se regalarán dibujos impresos de cuarenta artistas. Así que, agáchese y cójalos.
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PUBLICACIÓN TALLER DE CRÍTICA
Ya fueron publicadas de manera oficial las memorias del Taller de Crítica, el cual fue dirigido por Carlos Alberto Galeano y realizado en el MAMM - Museo de Arte Moderno de Medellín-como parte de las actividades académicas del 14 Salón Regional de Artistas Zona Centro Occidente: Residir, de la ventana hacia adentro, de la ventana hacia afuera.
El taller propuso una dinámica exigente, en la cual durante cuatro sesiones presenciales, cada participante debía analizar, reflexionar y cuestionar la obra correspondiente para este propósito.
Durante el proceso se estudiaron además algunos textos fundamentales para la contextualización y esquematización de lo que es un comentario crítico, así como la importancia de la crítica en las prácticas artísticas actuales.
Quienes hicieron parte de este propósito contribuyeron a un muy buen resultado de este ejercicio:
Laura Alejandra Rubio
Liliana Patricia Correa
Maria Alejandra Román Piedrahíta
Juan Camili Sánchez Gutiérrez
Alejandro Peña Arroyave
Ronald Estrada
Juan David Cuartas Valencia
Úrsula Ochoa
John Fernando Gutiérrez Arias
Daniel Alejandro Ceballos
Jorge Marín
Diana Carolina Paniagua
Marcela Villa
Ana Milena Ochoa
Juan José Escober López
Diana Gómez
Carlos Alberto Galeano
José Leonardo Yances Buelvas
Diana Arango Villa
Margarita María Echavarría
Claudia Elena Zuluaga Idárraga
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LA OBRA MAESTRA DESCONOCIDA
O DEL FRACASO EN EL ARTE
No cabe la menor duda, el texto literario aparece siempre a la par de las manifestaciones artísticas a lo largo de la historia. En esta ocasión el realismo literario del siglo XIX, nos trajo a través de Honoré de Balazc una obra que pone en tela de juicio asuntos tan actuales y preocupantes, como la falsa quimera artística que sostiene que, la copia fiel del modelo es producto final de la obra de arte. En este sentido Balzac cuestiona a través de su novela, la holgura insensata y la mediocridad del artista que posee técnica, pero que produce "figuras sin entrañas".
Escrita en 1832, ambientada en la Francia del siglo XVII y surtida de un fondo de ideas y términos heredados del renacimiento, La obra maestra desconocida es una novela fundamental para todos aquellos pintores actuales que reconocen en el arte, la única forma de justificar una vida posible.
Algunos de sus magníficos párrafos denotan la agudeza irónica de la propuesta en este escritor:
"Solo porque han hecho algo que se parece más a una mujer que a una casa, creen haber alcanzado la meta y, orgullosos de no estar ya obligados a escribir junto a sus figuras, currus venustus o pulcher hommo, como los primeros pintores, ¡se creen artistas maravillosos !ja, ja! aún están lejos mis esforzados compañeros, necesitan utilizar muchos lápices, cubrir muchas telas antes de llegar"
Currus venustus:carruaje elegante.
Pulcher hommo: hombre bello.
" El vulgo admira, pero el verdadero entendido sonríe"
"Son millones los artistas que crean, pero sólo unos pocos miles son tenidos en cuenta y valoradas por el espectador, y aún menos son los que la posteridad consagra. El artista podrá pregonar desde todos los tejados su genio, pero deberá esperar el juicio del espectador para que sus palabras adquieran valor social y la posteridad lo acabe incluyendo en los manuales de la Historia del Arte"
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Algunos de sus magníficos párrafos denotan la agudeza irónica de la propuesta en este escritor:
"Solo porque han hecho algo que se parece más a una mujer que a una casa, creen haber alcanzado la meta y, orgullosos de no estar ya obligados a escribir junto a sus figuras, currus venustus o pulcher hommo, como los primeros pintores, ¡se creen artistas maravillosos !ja, ja! aún están lejos mis esforzados compañeros, necesitan utilizar muchos lápices, cubrir muchas telas antes de llegar"
Currus venustus:carruaje elegante.
Pulcher hommo: hombre bello.
" El vulgo admira, pero el verdadero entendido sonríe"
"Son millones los artistas que crean, pero sólo unos pocos miles son tenidos en cuenta y valoradas por el espectador, y aún menos son los que la posteridad consagra. El artista podrá pregonar desde todos los tejados su genio, pero deberá esperar el juicio del espectador para que sus palabras adquieran valor social y la posteridad lo acabe incluyendo en los manuales de la Historia del Arte"
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EL CRÍTICO COMO ARTISTA
En 1890, cuando ya gozaba de fama como escritor, Oscar Wilde publica la primera parte de su ensayo El crítico como artista, que titula La importancia de no hacer nada. Dos meses después aparece La importancia de discutirlo todo. En ambos propone, con un lenguaje desenfadado y mordaz, que la labor del crítico es más meritoria que la del artista y aprovecha para escandalizar a la sociedad de su época con provocaciones y epigramas.
Establece que la diferencia entre periodismo y literatura radica en que «el periodismo es ilegible y la literatura no se lee» y afirma que «sólo las teorías peligrosas tienen algo de valor intelectual. Una idea que no sea peligrosa no merece llamarse idea».
Algunos han deducido que este ensayo es la obra más provocadora y mordaz del dandy más ingenioso de la Literatura universal.
Entre sus párrafos se disfrutan de afirmaciones como:
"Existen dos maneras de no disfrutar el arte. La primera es que a uno no le guste. La otra, que le guste racionalmente"
"Un poco de sinceridad es una cosa peligrosa, y mucha es absolutamente fatal"
"No, los sentimientos no nos harán cosmopolitas, como tampoco podía hacernos cosmopolitas el afán de enriquecimiento. Sólo cultivando el hábito de la crítica intelectual seremos capaces de superar los prejuicios"
"Es la crítica, no reconociendo ninguna posición como definitiva y rehusando atarse a los dogmas de cualquier secta o escuela, la que crea ese sereno talante filosófico que ama a la verdad por sí misma, y que no la ama menos porque sepa que es inalcanzable"
"El crítico de arte, como el místico, es siempre paradójico. Ser bueno, según el concepto vulgar de bondad, es obviamente muy fácil. Tan sólo requiere una cierta dosis de terror sórdido, una cierta carencia de pensamiento imaginativo y una cierta pasión abyecta por la respetabilidad de las clases medias. La estética es más elevada que la ética. Pertenece a una esfera más espiritual. Discernir la belleza de una cosa es la mayor excelencia que podemos alcanzar. Incluso el sentido del color es más importante en el desarrollo del individuo que el sentido del bien y del mal. De hecho la estética es a la ética en la esfera de la civilización consciente lo que, en la esfera del mundo externo, la selección sexual es a la selección natural. La ética, como la selección natural, hace posible la existencia. La estética, como la selección sexual, hace la vida bella y fascinante, la colma de nuevas formas y le proporciona progreso y variedad y cambio. Y cuando alcancemos la verdadera cultura que es nuestro objetivo, conseguiremos esa perfección con la que soñaron los santos, la perfección de aquellos para los que es imposible pecar, no porque renuncien como el asceta, sino porque pueden hacer todo lo que desean sin dañar al alma, y no pueden desear nada que cause daño al alma, siendo el alma una entidad tan divina que es capaz de transformar en elementos de una experiencia más rica, o de una susceptibilidad más sutil, o de un nuevo modo de pensar, actos o pasiones que en el individuo corriente resultarían vulgares, o innobles en el inculto, o viles en el rastrero. ¿Es esto peligroso? Sí, es peligroso –todas las ideas, como te he dicho, lo son"
"La creación siempre va por detrás de su tiempo. Es la crítica la que nos guía. El espíritu crítico y el espíritu del mundo son la misma cosa".
"Sin la facultad crítica no existe, en absoluto, creación artística digna de ese nombre.[...] Quien no posee esa facultad crítica no puede crear arte"
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Algunos han deducido que este ensayo es la obra más provocadora y mordaz del dandy más ingenioso de la Literatura universal.
Entre sus párrafos se disfrutan de afirmaciones como:
"Existen dos maneras de no disfrutar el arte. La primera es que a uno no le guste. La otra, que le guste racionalmente"
"Un poco de sinceridad es una cosa peligrosa, y mucha es absolutamente fatal"
"No, los sentimientos no nos harán cosmopolitas, como tampoco podía hacernos cosmopolitas el afán de enriquecimiento. Sólo cultivando el hábito de la crítica intelectual seremos capaces de superar los prejuicios"
"Es la crítica, no reconociendo ninguna posición como definitiva y rehusando atarse a los dogmas de cualquier secta o escuela, la que crea ese sereno talante filosófico que ama a la verdad por sí misma, y que no la ama menos porque sepa que es inalcanzable"
"El crítico de arte, como el místico, es siempre paradójico. Ser bueno, según el concepto vulgar de bondad, es obviamente muy fácil. Tan sólo requiere una cierta dosis de terror sórdido, una cierta carencia de pensamiento imaginativo y una cierta pasión abyecta por la respetabilidad de las clases medias. La estética es más elevada que la ética. Pertenece a una esfera más espiritual. Discernir la belleza de una cosa es la mayor excelencia que podemos alcanzar. Incluso el sentido del color es más importante en el desarrollo del individuo que el sentido del bien y del mal. De hecho la estética es a la ética en la esfera de la civilización consciente lo que, en la esfera del mundo externo, la selección sexual es a la selección natural. La ética, como la selección natural, hace posible la existencia. La estética, como la selección sexual, hace la vida bella y fascinante, la colma de nuevas formas y le proporciona progreso y variedad y cambio. Y cuando alcancemos la verdadera cultura que es nuestro objetivo, conseguiremos esa perfección con la que soñaron los santos, la perfección de aquellos para los que es imposible pecar, no porque renuncien como el asceta, sino porque pueden hacer todo lo que desean sin dañar al alma, y no pueden desear nada que cause daño al alma, siendo el alma una entidad tan divina que es capaz de transformar en elementos de una experiencia más rica, o de una susceptibilidad más sutil, o de un nuevo modo de pensar, actos o pasiones que en el individuo corriente resultarían vulgares, o innobles en el inculto, o viles en el rastrero. ¿Es esto peligroso? Sí, es peligroso –todas las ideas, como te he dicho, lo son"
"La creación siempre va por detrás de su tiempo. Es la crítica la que nos guía. El espíritu crítico y el espíritu del mundo son la misma cosa".
"Sin la facultad crítica no existe, en absoluto, creación artística digna de ese nombre.[...] Quien no posee esa facultad crítica no puede crear arte"
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LA MALDICIÓN DE LA MONA LISA
Crítico de ácida pluma, tuvo la osadía como es característico de críticos con agallas, de afirmar sobre la obra del pintor Francis Bacon que no podía calificarse más que de "papel para atrapar moscas", y del arte posmoderno que era "el vómito de los 80".
Su estilo audaz y descarado y sus despiadadas opiniones sobre la belleza, el mercado del arte o la técnica de los artistas modernos impregnó su trabajo tanto en la prensa escrita como en los documentales sobre historia del arte que dirigió para la televisión.
Hughes fue considerado “el crítico más famoso de la historia”, un apelativo que él desdeñó durante una entrevista para el programa 60 minutos. “Que te nombren el crítico de arte más influyente es como si te llamaran el apicultor más influyente”, dijo un irónico Hughes.
En este documental puede apreciarse un Hughes preocupado por la banalización extrema de los valores comerciales sobre las obras de arte.
El sistema del arte es convertido en un negocio redondo donde los criterios reales se diluyen ante la abultada suma de dinero que poseen galeristas, coleccionistas y compradores de " cultura"
LINK: http://lalulula.tv/category/de-autor/robert-hughes/maldicion-de-la-mona-lisa
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Cuando le presenten a alguien, hable poco pero asegúrese de emitir frases contundentes, incluso mordaces, que evoquen al menos a 2 o 3 tres filósofos post-modernos, en lo posible franceses.
Adopte una actitud distante y simule ser condescendiente.
Aprenda a ser snob, que es la forma más sofisticada de frivolidad.
Sea frívolo porque allí esta la posibilidad de aproximarse a los mas interesantes personajes del mundo artístico.
Recuerde usted es un artista, no es pintor, ni mucho menos fotógrafo, ni nada por el estilo. Su función es pensar, no producir objetos artísticos para el consumo burgués.
Si aun conserva en su fuero interno algo del viejo romanticismo pre-moderno, debe romper ese ultimo bastión de ingenuidad juvenil.
Asegúrese de asistir a todas las inauguraciones o eventos artísticos que su tiempo le permita.
El taller del artista contemporáneo es el espacio virtual de, por ejemplo, un cóctel, o una fiesta o una inauguración de un centro cultural.
Cuídese de no compartir con los demás miembros, información relevante como son ciertas convocatorias y datos de curadores o galeristas. No se sienta culpable por esto, le aseguro que varios de sus compañeros han estado haciendo lo mismo con usted.
La clave radica en impactar y convencer a los pocos especialistas que controlan los espacios estratégicos del arte, una ves ellos estén de su lado los demás miembros de la sociedad, incluyendo a los restantes artistas, tendrán que someterse y aceptar lo que usted les dice.
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MANUAL DEL ARTISTA SNOB CONTEMPORÁNEO
Sandro Stivella
Cuando le presenten a alguien, hable poco pero asegúrese de emitir frases contundentes, incluso mordaces, que evoquen al menos a 2 o 3 tres filósofos post-modernos, en lo posible franceses.
Adopte una actitud distante y simule ser condescendiente.
Aprenda a ser snob, que es la forma más sofisticada de frivolidad.
Sea frívolo porque allí esta la posibilidad de aproximarse a los mas interesantes personajes del mundo artístico.
Recuerde usted es un artista, no es pintor, ni mucho menos fotógrafo, ni nada por el estilo. Su función es pensar, no producir objetos artísticos para el consumo burgués.
Si aun conserva en su fuero interno algo del viejo romanticismo pre-moderno, debe romper ese ultimo bastión de ingenuidad juvenil.
Asegúrese de asistir a todas las inauguraciones o eventos artísticos que su tiempo le permita.
El taller del artista contemporáneo es el espacio virtual de, por ejemplo, un cóctel, o una fiesta o una inauguración de un centro cultural.
Cuídese de no compartir con los demás miembros, información relevante como son ciertas convocatorias y datos de curadores o galeristas. No se sienta culpable por esto, le aseguro que varios de sus compañeros han estado haciendo lo mismo con usted.
La clave radica en impactar y convencer a los pocos especialistas que controlan los espacios estratégicos del arte, una ves ellos estén de su lado los demás miembros de la sociedad, incluyendo a los restantes artistas, tendrán que someterse y aceptar lo que usted les dice.
--------------------------------------------------------------------------------------------------------------ESCUPAMOS SOBRE HEGEL...
El libro es un clásico del feminismo crítico de la diferencia italiana en los años 70. Abrió brecha y marcó el camino del más radical cuestionamiento a las bases filosóficas de la macrocultura masculina, donde se pueden reencontrar los elementos más importantes de la autonomía del pensar de las mujeres y de la separación tajante que necesita la relación entre el historicismo y la metafísica del pensamiento masculinista.
PALABRAS CLAVES: Género, pensamiento, poder.
PALABRAS CLAVES: Género, pensamiento, poder.
“Escupamos sobre Hegel” es un manifiesto subtitulado “Escritos de Rivolta Femmimile”, que plantea un problema desde el género femenino como estado segundario a nivel social y político. La autora indica que si las mujeres pretenden ocupar otro lugar en este mundo, la búsqueda de la tal llamada “igualdad de condiciones” es un error garrafal que han venido repitiendo algunos movimientos feministas desde que dejaron su huella en la historia; lo que realmente habría por hacer es desarmar el andamiaje que ha edificado los antiguos preceptos hombre/mujer, donde el pensamiento que los dirige es puramente patriarcal, haciendo alusión a la filosofía hegeliana, Marxista, Freudiana entre otros, donde la mujer si bien no pasa de ser un animal caprichoso y simpático se vuelve blanco de injurias y hostilidades.
Dado el decepcionante panorama de la primera parte, Lonzi plantea: “La igualdad de la que hoy no disponemos no es sólo filosófica, sino política. ¿Queremos, después de milenios, insertarnos con este título en el mundo que han proyectado otros? ¿Nos parece gratificante participar en la gran derrota del hombre?”.
La autora afirma sin remedo que el movimiento feminista no es internacional, sino planetario. El hombre negro es igual al hombre blanco, la mujer negra igual a la mujer blanca. La diferencia de la mujer consiste en haber estado ausente de la historia durante miles de años. Según los planteamientos de Lonzi, la creencia en los reflejos ha periclitado. Nuestra acción es la desculturación por la que optamos. No se trata de una revolución cultural que sigue e integra la revolución estructural, no se basa en la verificación a todos los niveles de una ideología, sino en la carencia de necesidad ideológica. La mujer no ha contrapuesto a las construcciones del hombre más que su dimensión existencial: no han salido de entre ellas jefes, pensadores, científicos, pero ha poseído energía, pensamiento, coraje, decisión, atención, sentido, locura. Las huellas de todo esto reflexiona Lonzi puntualizando en casos históricos específicos, se han borrado porque no estaban destinadas a perdurar dadas las fuentes de poder que filtran la información histórica, pero la fuerza estriba en no poseer ninguna mistificación de los hechos: actuar no es una especialización de casta, aunque se convierte en ello mediante el pode por el que está orientada la acción.
La humanidad masculina se ha adueñado de este mecanismo cuya justificación ha sido la cultura. Desmentir la cultura significa desmentir la valoración de los hechos que constituyen la base del poder.
En conclusión las nociones de feminismo impulsadas por el plano ideológico tiene claras raíces ilustradas representando una radicalización de las consignas y los planteamientos de mujeres que han intentado cuestionar la historia, estos cuestionamientos se elaboran tras una estela de humo como efecto de la ausencia histórica en la mujer por miles de años. Las raíces culturales surgen de la imposición del poder de unos sobre otros, y la revolución estructural del pensamiento hacia el género es casi una utopía.
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